(Orio, 1908 - San Sebastián, 2003) Escultor español, figura clave de la vanguardia de la década de los cincuenta.
En 1950 se le adjudicó la estatuaria para la nueva basílica de Aránzazu (Guipúzcoa), proyectada por el arquitecto Francisco Javier Sáenz de Oiza. Su intervención fue polémica desde el principio: la heterodoxa iconografía del friso de los Apóstoles (representó catorce) así como su estética, demasiado vanguardista para el gusto de las instituciones eclesiásticas, provocaron que la Comisión Pontificia paralizara la ejecución de las piezas por considerarlas sacrílegas. A instancias del papa Pablo VI, el proyecto se reanudó en 1968. Las puertas del templo, realizadas por un joven
Eduardo Chillida en hierro y en un estilo geométrico espacialista, causaron una honda impresión en Oteiza.
Aunque durante años ambos escultores serían enemigos acérrimos (más por parte de Oteiza que de Chillida), lo cierto es que la poética desplegada en aquellas puertas, aun sin que él lo reconociera nunca, determinó en gran manera la evolución de su obra. Tanto fue así que en los años cincuenta (su período artístico más fructífero) abandonó definitivamente la figuración y se adentró por un camino de depuración formal y de diálogo entre la materia y el vacío.
Escultor, poeta, filósofo y arquitecto vocacional, Jorge Oteiza fue uno de los artistas más importantes del siglo XX. En su obra supo conjugar la magia y la espiritualidad de los monumentos megalíticos, especialmente los del País Vasco, con las innovaciones formales de los movimientos de vanguardia. Igualmente, su labor pedagógica así como sus aportaciones en el campo de la estética y la teoría del arte contribuyeron a forjar varias generaciones de escultores, algunos de ellos tan señalados como Andreu Alfaro o Txomin Badiola. Aunque siempre rehuyó los agasajos y los honores, a lo largo de su vida recibió premios tan importantes como el Príncipe de Asturias de las Artes, en 1988, o la Medalla del Círculo de Bellas Artes, en 1998.
En una de la imágenes podréis ver la estantería en el taller de Jorge Oteiza, llena de pequeñas piezas de tiza y materiales pobres.
Vamos a seguir el siguiente guión para la ejecución del Proyecto de instalación escultórica. Va a ser un trabajo en grupo.
A.- FASE DE IDEAS
1.- Partir de una motivación interna.
- Puede ser un estado de ánimo
- Una experiencia que nos haya conmovido de alguna forma
- Un concepto, una idea
- Un mensaje, algo que se quiera expresar
B.- FASE DE BOCETOS
2.- Llevar la idea a las formas, imágenes, volúmenes...
3.- Elegir los materiales, objetos, procedimientos, etc.
C.- FASE DE PREPARACIÓN
4.- Elección del lugar, acotación
5.- Preparación del espacio, medición
6.- Vistas en isométrica, vistas el alzado y planta
7.- Realización de pequeñas maquetas
D.- FASE DE REALIZACIÓN
8.- Montaje y verificación de los materiales
9.- Registro de fotografías
E.- REALIZACIÓN DE LA MEMORIA
- Portada
- Índice
- Introducción: breve descripción del proyecto para luego desarrollar.
- Idea o Motivo del que se parte
- Referencias culturales y con otras obras
- Aspectos técnicos y materiales usados
- Aspectos formales y estéticos (descripción de la obra)
- Presupuesto
- Tiempo de ejecución y programación del montaje
- Registro fotográfico (antes, durante el montaje y obra acabada)
Diversas propuestas de obras y actuaciones artísticas a partir de la caja como concepto, como límite contenedor a veces y como excusa para romper esos mismos límites.
Assemblage es un proceso artístico en el cual se consigue la
tridimensionalidad colocando diferentes objetos-no-artísticos muy
próximos unos a otros. Hay que recalcar que estos objetos de los que se
componen estas obras comparten la característica de que no han sido
diseñados con fines estéticos sino que han sido redescubiertos por los
artístas quienes los incorporan a sus obras, de manera conjunta o de
forma individual, para lograr expresar un mensaje o emoción. (Wikipedia,
saber más>>)
JOSEP CORNELL
Las obras más características de Cornell eran conjuntos de objetos
contenidos en cajas. Los mismos consistén de cajas simples, por lo
general con un vidrio en su frente, dentro d elas que ordenaba una
colección sorprendente de fotografías o
bric-à-brac victorianos, de forma de combinar la austeridad formal del
Constructivismo con la fantasía del
Surrealismo. Muchas de sus cajas, tales como la famosa caja
Medici Slot Machine, son interactivas y han sido concebidas para ser manipuladas.
Para ver más trbajos de este artista:
www.josephcornellbox.com/
Más imágenes en google http://www.google.es/search?q=joseph+cornell&hl=es&prmd=ivnso&tbm=isch&tbo=u&source=univ&sa=X&ei=ERHQTdXsNcep8AOF8s3vDQ&ved=0CB0QsAQ&biw=1280&bih=645
Usar el reciclado de materiales para realizar obras de arte no es sólo una cuestión de originalidad, sino de planteamiento social en una sociedad que genera tantos desechos y basura, y que produce de manera desproporcionada a las necesidades reales de consumo.
Los ready-mades han sido los objetos que más trascendencia han tenido en el arte contemporáneo, pues es algo ya hecho o previamente fabricado. El artista no crea, en el sentido tradicional, sino que toma un objeto del universo industrial y lo convierte en arte. El ready-made es una crítica del arte “retiniano” (el visual) y manual; eran objetos creados para provocar, productos del esfuerzo para quebrar con cualquier tradición artística, para crear un nuevo arte, uno que atraiga la mente y no la vista.
Dentro de los Ready Made pueden darse 3 casos:
1-Objetos que el artista no manipula, y que simplemente les añade un título.
2-Ready Made para mirar. Alteración de imágenes:
3-Objetos ensamblados (es decir, los que se han manipulado):
Estas obras son de Marcel Duchamp, que partió de propuestas del Dadaísmo para seguir un camino totalmente personal.
Los Objetos encontrados es una propuesta de creación similar en la que a partir de objetos cotidianos o desechados se realiza una apropiación en una nueva obra.
MATERIALES RECICLADOS
Todo tipo de materiales de desecho pueden servir de materia prima para transformarlos completamente y crear sin límites. Es evidente que los materiales, con sus texturas y materias ya pueden ser, por sí mismos, expresivos y añadir cualidades muy interesantes a la obra final.
Arte con neumáticos desechados
http://www.ecologiablog.com/post/1396/arte-con-objetos-reciclados-esculturas-con-pneumaticos
Arte con basura
http://www.taringa.net/posts/imagenes/6468001/Arte-con-basura.html
Una performance es una muestra escénica, muchas veces con un importante factor de improvisación, en que la provocación o el asombro, así como el sentido de la estética, juegan un rol principal.
El término performance se ha difundido en las artes plásticas a partir de la expresión inglesa performance art con el significado de arte en vivo. Está ligado al arte conceptual, a los happenings, al movimiento artístico fluxus events y al body art. La palabra performance comenzó a ser utilizada especialmente para definir ciertas manifestaciones artísticas a finales de los años sesenta.
La historia del "performance art" empieza a principios del siglo XX, con las acciones en vivo de artistas de movimientos vanguardistas. Creadores ligados al futurismo, al constructivismo, al dadaísmo y al surrealismo, realizaban por ejemplo las exhibiciones no convencionales en el Cabaret Voltaire.
El arte de la performance es aquél en el que el trabajo lo constituyen las acciones de un individuo o un grupo, en un lugar determinado y durante un tiempo concreto.
-La Performance o acción artística puede ocurrir en cualquier lugar, iniciarse en cualquier momento y puede tener cualquier duración.
-Una "acción artística" es cualquier situación que involucre cuatro elementos básicos: tiempo, espacio, el cuerpo del artista y una relación entre este y el público. El performance se opone a la pintura o la escultura, ya que no es el objeto sino el sujeto el elemento constitutivo de la obra artística.
-La performance tiene parentescas con la acción poética, la intermedia, la poesía visual y otras expresiones del arte contemporáneo. Algunos llaman a tales expresiones (idénticas o muy similares a la performance): live art, action art, intervenciones y manoeuvres.
-El sniggling es una forma activista y engañosa de performance art en público, que típicamente se desarrolla de modo que los espectadores inicialmente no se dan cuenta de que se está ejecutando una performance.
Fuente: wikipedia
